什么是剪辑？剪辑是将图像连接起来的基本手段。“剪辑”一词在英文中与其相对应的是“editing”，有编辑之意。按照汉语的字面理解，剪辑实际上是两个动作——“剪”和“辑”。将原来连续的画面断开就叫“剪”，再将剪断的画面按照一定的组合方式连接起来就是“辑”，剪辑就是剪而辑之。汉语中的剪辑比德语中的“schnitt”（裁剪）和法语中的“montage”（蒙太奇，组合）更为贴切，更加言简意赅。
一、连贯
镜头剪辑是通过一定的镜头组合方式去模拟或者虚构时空关系，以此来达到叙述故事、抒发情感和传达思想的目的。剪辑本质就是依据人们的心理逻辑关系将图像连接在一起。一个人从俄罗斯的克里姆林宫走出，穿过红场，下一个镜头就接他走进了美国的白宫，这样剪辑并没有什么问题。因为一个人从一个建筑走出，然后走进了另一个建筑，是符合空间认知逻辑关系的。但事实上人是不可能从克里姆林宫走出来就进入白宫的，因为两者离得实在太远，所以剪辑是在模拟和虚构时空关系。人们之所以信以为真，是因为依靠自身的逻辑推理和联想，建立起画面因果的连贯性。
这种连贯性是建立在心理层面上，而非物理层面上。在剪辑过程中还会使用音乐、音响和有声语言，这些声音在物理上是连续的，和画面一起剪辑，画面很容易成为声音的附属品。因为声音在物理上的连贯性会取代画面在逻辑上的连贯性，在音乐或音响存在的情况下，观众对视觉连续性的要求会大大降低。在MTV中几乎任何画面都可以连接在一起，在音乐的主导下，观众不会感到任何的不适，恰恰说明逻辑上的连贯性很容易被物理上的连贯性所抹杀。
在物理上，声音的连续是客观存在，想打断声音自身的连续也很困难。且不说强切人物的对话，就是在手风琴演奏中插入一段钢琴演奏，都会让观众觉得怪怪的。而建立在观众心理层面上的画面因果逻辑则不同，它会随着观众对视听语言的熟悉而不断飞跃。电影刚出现那会儿，一个水浪的镜头，就可以让观众跳上椅子，挽起裙子，现在的影院里不会再闹这种笑话。过去全景到特写必须通过中景过渡，今天从大全景切到特写都可以，中间没有任何中景镜头过渡也没关系。过去轴线和方向的原则是十分严谨的，现在剪辑时却经常变通。总之，只要画面剪接逻辑能够被观众所理解，画面组接能够流畅地叙事，一切原则都可以打破。观众心理认知上的进步带来逻辑推理上的变化，正是影视剪辑艺术不断发展的动力源泉。
二、匹配
不变换拍摄的景别和角度，一镜到底的画面并不好看，尽管仍有些纪录片为了强调原汁原味而刻意为之。剪辑师将同一对象的不同景别或者角度的镜头组接到一起，从而使固定的画面产生变化，避免观众视觉疲劳，这是视觉语言最常见的表达方式。将同一对象不同景别或者角度的镜头组接到一起时，镜头的转换不能产生明显的跳进，不能因镜头转换而造成视觉上的混乱和理解上的困难，导致观众观看时思路被打断，这些保障流畅而不错乱的剪辑规则就是匹配。
匹配就是要求剪辑要平顺流畅，它既是剪辑的基本要求，也成为剪辑的最高境界。优秀的剪辑师，要能协调处理多种要素关系的匹配，使之平顺流畅。比如要处理好焦距统一的匹配，色彩的匹配，形状的匹配，运动速度的匹配，距离远近的匹配，画面位置的匹配，动作的匹配，光线强弱的匹配，视觉概念的匹配，还有音量高低的匹配。然后观众会完全沉浸在剧情里，跟着导演的设计进行思维，感受画面所带来的喜怒哀乐，完全忘记时间，忘记了自己身在何处，这就是匹配的剪辑，也必然是好的剪辑。
如果让一位喜欢看电影的观众说出十个著名的演员，哪怕是国内和国外各十名，可能也没有问题。如果再让他说出五位知名的导演，可能也困难不大。但要让他说出来几位著名的剪辑师，或者说出他最喜欢的那部电影的剪辑师，恐怕真说不上来。好的剪辑会把观众带入忘我境界，这是剪辑师的最高境界。遗憾的是，一部优秀的作品，观众反而会忘记剪辑师的存在。相反，糟糕的剪辑就会让观众感觉不舒服，观众很难融入其中，思维时不时地游离于叙事主线，一心想弄清楚这么糟糕的剪辑到底是谁干的，然后跟着骂娘。人们在观看影片时想起剪辑师，不是因为他工作出色，而是恰恰相反。所以在镜头剪辑时应该力求画面前后衔接匹配，剪辑平顺流畅，慎重处理相邻镜头间的级差、跳接和屏闪等问题。
三、级差
在表现某个对象时，相邻镜头的景别和拍摄角度必须有较大的区别，观看时视觉才会舒服。在影视作品中最早开始使用不同景别的镜头进行组接，要从大卫·格里菲斯（D．W．Griffith）说起。格里菲斯是一个了不起的电影人，他第一个明白了剪辑的心理意义。20世纪初的影片依旧习惯于演员顶天立地撑满整个银幕，格里菲斯开始在影片中尝试不同的景别，在其导演的《永恒之海》（The Unchanging Sea，1910年）中，就将大全景加入到自己的镜头语言里。格里菲斯在景别上的进一步贡献是，在同一场景中根据剧情使用不同的景别和机位，经过不断尝试和探索找到了全景—中景—近景/特写经典电影叙事的镜头语言，如图5-1。这一做法彻底地打破了舞台化的时空观念，将一个场景空间拆分开来，表现不同层次的细节，是电影叙事的一个重大突破。
电影《永恒之海》中的大全景
电影《永恒之海》中的中景
电影《暴风雨中的孤儿们》中的特写
图5-1 格里菲斯在电影中使用不同景别的镜头
格里菲斯是第一个在剧情片中大量运用特写镜头的，从而把观众带入了影片人物的情感世界，这在当时是革命性的。然而制片人并不具有这种意识，他看了《暴风雨中的孤儿们》（又名《奥凡斯风暴》，1921年）后大惊，怎么可以将人物的脸剪辑得这么巨大而丑陋，我们不能放映这样的片子。我们花钱请来这个演员，要看他们的全身，而不只是一张脸，而且观众也不知道该如何反应，这会让他们很困惑。可是效果好不好观众说了算，结果是观众一点也不困惑。他在1915年拍了《一个国家的诞生》，在这部影片中，格里菲斯在全景、中景、近景和特写间的镜头切换已经十分娴熟了。这种剪辑手段运用极大地刺激了电影同行，引起争相效仿，并成为电影剪辑的基本模式。
在默片时代，不同景别的切换一直被小心谨慎地使用着，不同景别的差异一般维持在“一档”的跨度。当时还不具备大级差的观念，每个镜头之间景别的差异只有一个级差，从全景到中景，从中景再到近景或者特写。在默片时代，画面占据了绝对重要的地位，因此形式上的表现力受到了特别重视。违背小心谨慎地切换景别原则的剪辑，首先出现在德国大师的影片中，在茂瑙（F．W．Murnau）的影片《吸血僵尸》（又译《吸血鬼诺斯费拉杜》，1922年）中，出现了从大全景直接连近景的画面，两个镜头之间跨越了中景和全景，但这种连接方式并不多见。“一档级差”的景别切换规范实际上保持了二十多年，直到20世纪30年代。在20世纪这一百年中，社会生活发生了很大的变化，生活节奏越来越快，欣赏习惯也相应改变。一档级差的镜头连接方式虽然仍然被接受，但人们希望看到节奏更快，更强烈的视觉刺激，后来多级差的影视作品就比较常见了。
格里菲斯建立了电影剪辑的经典原则。电影剪辑经典原则的基础是“隐形剪切”的概念。一般认为好的镜头剪辑应该总是连贯流畅和移动的，剪辑的目的就是抹去剪切的痕迹，让观众不注意或者忘记在看电影。格里菲斯的无缝剪辑沿用至今，几十年来一直是电影剪辑的主流手段。越是隐形，我们就干得越好。遗憾的是，由于剪辑艺术无形的风格，使剪辑师的工作得不到重视，观众甚至意识不到剪辑师的存在，这是多年来电影业保守得最好的秘密。
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